Jeremy Demester

XXI

Perrotin Dubai, DIFC, Gate Village, Building 5, Unit 1, Podium Level
February 28 - April 8, 2023

Perrotin is pleased to present XXI, the first solo exhibition in Dubai of French-Beninese artist Jeremy Demester, gathering unveiled works.

Jeremy Demester approaches his canvases with an eye for natural processes of imitation and representation. Through philosophical inquiry and an intuitive aesthetic, the artist seeks to reveal the subtle traces of forgotten myths in modern everyday perceptions. His art is influenced by protohistoric archaeology, mythologies from all societies, and global popular culture – a wide-ranging knowledge he inherited from his nomadic Romani origins.

Since the beginning of his career, Jeremy Demester has been painting skies and trees, two simple subjects drawn from nature, demonstrating its infinite powers of metamorphosis. His study of the sky’s manifold colors and nuances at different times of the day and the seasons led the painter to a profound colorist exploration. In The 21 Graces Altarpiece, a triptych containing the beautiful depiction of a blue hardwood, trees become a source for an infinity of forms: perpetually branching, continually creating themselves, firmly rooted in the earth, they bend and quiver in the wind, expressing all the nuances of stability and movement.

A story of movement and life also unfolds in the artist’s latest series Stela. Refusing the distinction between landscape and abstraction, the nine compositions synthesize several of the artist’s past works. Animated by violent colors, skies, trees, rain, and flames overlap and intermingle, rising from the earth to the sky. While our own eyes struggle through these clouds of shapes and colors, pairs of painted eyes staring straight ahead are the resting point in most of the paintings – reminiscent of the rudimentary signs placed at the rear of trucks warning drivers to be vigilant. In a mimetic process, these eyes speak to our own eyes, becoming our interlocutors amidst the uncanny presence emanating from the paintings. Their titles are nicknames that exist in every country, in all epochs – but their monolithic frontality signals that we are facing witnesses of ancestral ages.

The series Assembled Figures, a body of large-scale composite portraits created by augmenting the canvases with sculpted bas-reliefs, reinforces the feeling of an encounter with almost human hybrids. They connect Jeremy Demester’s practice to the first decades of panel painting and the centrality of frames during the Early Italian Renaissance. Affixed to the painted compositions, objects from ancient times or contemporary life are deformed or set in bronze, blending and converging to form the strangest pareidolia. Shells, fossils, ex-votos, rims, harpoons, an Olmec helmet, boxing gloves, and sneakers are gathered in a procession of wild figures, immobile like raised stones. Similar to totems, these works serve as receptacles for elements of our material culture – rich in meaning – deposited to create a network of basic references – what the anthropologist Claude Lévi-Strauss called mythemes. By reproducing these objects, giving them a common harmony, and transforming them into expressive faces, the artist breeds new life into ancient, sometimes forgotten myths. Freed from historical chronology, the masks become mirrors of the world: they reveal that we ourselves are constituted by archetypal myths and trivial fragments of reality.

Like a feverish and dazzled vision after too many sleepless nights, the paintings lay bare the architecture of our actions – for in every gesture lies an intuition, and intuition is a state of mind that we cannot control. It comes from our ancestors, from the most distant humanity, from the buried knowledge of the forces of nature and the elements.

Courtesy the artist and Perrotin
Installation views and works: M3Studio
Texts: Marguerite Hennebelle
© Jeremy Demester

L’Ombre des Heures, Le Retable du Temps

Hennessy cooperage workshop, Cognac
Inaugurated on March 31st, 2022, permanent installation

Le temps, la matière et le geste : L’Ombre des heures, Le Retable du temps de Jeremy Demester

« Entre force et douceur, la main trouve, et l’esprit répond. »
— Tchouang-tseu

Nos existences sont gouvernées par le passage cyclique du temps. Les années, les mois et les jours composent des cycles et des rythmes, auxquels chaque personne et chaque communauté peuvent donner du sens. Ce rythme du temps, ces cycles répétés, introduisent dans nos vies des ralentissements et des accélérations, nous indiquent des joies à venir ou nous remémorent des souvenirs passés, mettent en mouvement nos émotions comme dans une danse. Au XIVe siècle, les artistes flamands inventent un objet qui matérialise ce mouvement du temps : le retable à trois volets. Installé derrière l’autel d’une église, ou plus rarement dans un réfectoire, le retable est fermé la plus grande partie de l’année et donne à voir, chaque jour, une scène simple et austère en lien avec les cultes locaux. Mais quand arrivent les quelques fêtes importantes de l’année liturgique, l’habitant du village voisin ou le pèlerin qui vient de traverser de sombres forêts, tous deux peu coutumiers du luxe, se voient révéler la composition vivement colorée et parée d’or du retable grand ouvert, déployée largement sur les trois volets. L’effet de surnaturel est puissant. Ouvrir le retable, c’est dévoiler quelque chose qui se cache au cœur du temps long.

L’Ombre des heures, Le Retable du temps, n’est pas une œuvre religieuse, mais le quatrième retable à trois volets peint par Jeremy Demester pour un lieu spécifique et sa communauté. Installé en 2021, il occupe le mur du fond de l’atelier de tonnellerie de la Maison Hennessy, à Cognac. Les artisans qui passent désormais leurs journées en compagnie de cette œuvre ne se préoccupent pas des rythmes du culte chrétien ni du souvenir de temps immémoriaux, mais bien de considérations pratiques : la cadence de leur travail et la transmission de leur savoir- faire. « L’artiste est celui à qui il revient, à partir de nombreuses choses, d’en faire une seule et, à partir de la moindre partie d’une seule chose, de faire un monde », écrivait Rainer Maria Rilke1. Jeremy Demester est un de ces artistes attentifs à l’atmosphère qui fera vivre son œuvre. Avant de peindre, il a visité les ateliers de la Maison Hennessy et rencontré ses artisans, échangé longuement avec ceux qui poseront les yeux sur son travail chaque jour. Ce Retable du temps issu de rencontres, de paroles et de lieux, n’est donc pas, non plus, un simple élément de décoration pour l’atelier de tonnellerie ; sa stature – 4,20 m de haut – l’impose dans l’espace comme une porte monumentale, une véritable brèche vers un monde.

Demester entretient une proximité manifeste avec l’art ancien. Tout comme les artistes du xive siècle flamand, il introduit son retable dans notre monde matériel en l’encadrant d’éléments en relief. Autour du panneau central court une abondance de végétaux, des feuilles légères et toutes uniques, serrées en frise et comme fossilisées dans le bronze. Cette surface vivante, animée par les ombres et les lumières, est en apparence l’endroit le plus naturaliste de l’œuvre. Une subtile métamorphose s’y joue pourtant : l’œil se perd dans les branches et les racines, pour distinguer tout à coup des plumes, puis des écailles. Le matériau dans lequel s’est figée cettetransformation palpitante est tout aussi vivant. La fonte à la cire perdue, technique ancestrale encore pratiquée de façon traditionnelle dans la fonderie de Naples où travaille Demester, est un processus délicat que l’homme peut guider, mais jamais tout à fait contrôler. Sur le temps long, le bronze gardera sa solidité, mais s’oxydera imperceptiblement. Une première basse continue s’entend ainsi dans le cadre du Retable : la matière, dans toute sa diversité et ses transformations, participe à rythmer le temps.

Car l’immobilité est toujours un leurre chez Jeremy Demester : le rythme et le mouvement s’expriment pour lui aussi bien dans les surfaces les plus lisses et les plus calmes. Fermé, le Retable présente une surface miroitante uniforme, d’un gris de brume qui se charge de milliers de nuances selon l’heure du jour, l’angle du regard, la force de la lumière. Le peintre a travaillé cet effet dans sa série de tableaux intitulée Vins d’Anjou (2015-2017) à travers laquelle il cherchait à retrouver les teintes changeantes du sang lorsqu’il est encore dans nos veines, avant que le contact avec l’air et l’oxydation ne lui donnent sa couleur rouge. Placé dans un environnement stable, un Vin d’Anjou évolue au fil de la journée et des saisons : il se charge de tout ce qui passe, ici et maintenant. Le fait que les Vins d’Anjou soient réalisés avec de la peinture industrielle sur des panneaux d’aluminium n’est pas anodin. Il rattache l’œuvre à une culture minimaliste, détachée de la peinture figurative et pourtant ancrée dans le réel, puisque le matériau sera toujours plus réel que le meilleur réalisme. Les artisans entretiennent le même rapport aux matériaux qu’ils travaillent, ils en connaissent le poids, l’équilibre, les nuances. Cette peinture étincelante est l’élément qui permet au Retable de s’ancrer dans la même dimension que ses spectateurs quotidiens, les tonneliers. Chaque jour, ils partageront L’Ombre du temps – les infimes variations de leur atmosphère commune, profondément inscrites dans la matière.

Contrairement aux fidèles des églises médiévales, les spectateurs du Retable du temps ne suivent pas un calendrier pour ouvrir ou refermer celui-ci. Les tonneliers peuvent profiter à leur guise, pour ne pas dire à leur rythme, de l’effet théâtral produit par le déploiement des deux volets latéraux. L’intérieur du Retable entre en contraste intense avec la sobriété de sa modulation fermée : le jaune et l’orangé y jaillissent avec force, vigoureusement projetés en avant d’un bleu profond pour traverser les cinq mètres de largeur de l’œuvre, se rejoignant, se séparant, tourbillonnant en volutes organiques. Dans un équilibre instinctif qui semble prêt à se rompre, on ne sait si l’on distingue des arbres, des flammes ou bien une aurore boréale. L’ensemble évoque un paysage expressionniste, où se condenserait l’énergie contenue dans toute la matière. Grâce au mouvement du retable, un monde s’est ouvert, colossal et dansant. Peut-être le paysage n’était-il qu’un prétexte, et peut-être le sujet de cette œuvre est-il ailleurs. Les touches rapides et précises y côtoient de longues lignes pleines d’aplomb, les strates de couleurs superposées font glisser l’œil sur des surfaces vibrantes. Ce triptyque est fait de rythmes maîtrisés. Tous nos gestes, antiques ou neufs, sont liés à un rythme que l’on crée en répétant les mêmes gestes. Ce qui est vrai pour l’artiste est vrai pour l’artisan : la maîtrise du geste est une conquête, une lutte contre les difficultés de la matière, une longue et intraduisible recherche du geste juste, du rythme juste, entre force et douceur.

La façon dont les tonneliers exprimeront leur temporalité grâce au Retable est aussi intime que leur maîtrise du matériau et du geste. Demester raconte que dans l’atelier de tonnellerie, les artisans ont attiré son attention sur la musique. À chaque coup de maillet, le tonnelier sait si son travail est bon ; et chaque coup de maillet de chaque tonnelier remplit l’atelier, ajoute à son atmosphère. Ouvert ou fermé au gré des jours, L’Ombre des heures sera dans l’atelier pour un temps long. Il sera le témoin de ces rythmes, le support de souvenirs et de récits, la brèche par laquelle une communauté s’approprie le temps.

De l’aveu du expert savoir-faire tonnellerie Christophe Pierre, une symbiose s’est créée rapidement, grâce aux similitudes entre les valeurs d’authenticité et les parcours de vie de chacun. « Nous partons de la même chose pour aboutir, pour moi à une barrique, pour Jeremy à un tableau. »

« La façon dont nous exerçons le métier de tonnelier, chez Hennessy, est très particulière. Nous sommes chargés de l’entretien de fûts construits à la main par les anciens tonneliers de la Maison. L’automatisation était déjà apparue à l’époque, mais la Maison Hennessy a compris qu’elle devait conserver le savoir-faire artisanal pour pouvoir entretenir tous ses fûts anciens. On se doit d’avoir le niveau que les artisans avaient dans le passé pour ne pas détériorer cette matière première.

« Avec Jeremy Demester, nous avons réussi à nous comprendre sur le savoir-faire. Une alchimie s’est créée quand on s’est rendu compte que sa peinture, c’était comme notre bois, ses pinceaux, comme nos outils, qu’on travaille les matières nobles chacun à notre manière. La finalité est importante pour nous deux : aussi désordonné que puisse paraître le point de départ, la finalité est très précise.

Nous, tonneliers, nous avons un ensemble de pièces à assembler et nous ne pouvons pas en faire une mauvaise — sinon la barrique se cassera ou perdra son étanchéité. La maîtrise de la flamme, que nous utilisons pour chauffer le bois et donner de l’arôme au cognac, est aussi une maîtrise du geste. Tout doit être calibré, il faut savoir travailler avec les cinq sens.

« Le retable c’est un objet ancien, qu’on ouvre pour découvrir des choses. On se rejoint sur cette définition, car on se doit de faire perdurer un savoir-faire manuel, d’entretenir et de conserver une méthode de fabrication ancestrale. On n’intègre pas les techniques facilement. Quand je forme un jeune, il faut à peu près dix ans pour qu’il obtienne un niveau correct. Il faut du temps, de l’acharnement, de l’écoute. Acquérir le bon geste est un processus très profond.

« J’aime recevoir des gens d’horizons différents à l’atelier et échanger pendant la visite, c’est très enrichissant. Les gens repartent avec le sourire : ils ne pensaient pas qu’on travaillait encore de cette façon-là aujourd’hui. Ils ont l’impression d’être au XIXe siècle, ils retrouvent une certaine authenticité perdue, et c’est le plus gratifiant pour nous. Le retable est positionné de sorte qu’on le découvre dès qu’on entre dans l’atelier, en même temps qu’on découvre notre travail. Ça interpelle, ça pousse à avancer pour s’approcher, observer, échanger autour. En le regardant je pense beaucoup à l’équipe, l’entraide, le respect entre les différentes générations à l’atelier.

« On sent, dans ce tableau, quelque chose qui surgit. Comme nous avons appris à connaître l’artiste, on voit dans le tableau la rapidité de son esprit, les moments où il s’est levé la nuit pour peindre une idée qui jaillit. À mon avis, le mieux est de le découvrirfermé, pour conserver un effet de stupéfaction. Il y a cette face cachée, au départ, qui est déjà belle, avec son cadre en bronze où sont cachées beaucoup de choses ; et quand on l’ouvre on est surpris, on doit prendre le temps de rentrer dedans. À l’intérieur, il y a une grande ligne qui vient contredire toutes les formes arrondies, je cherche à comprendre cette décision du peintre : mettre une ligne là, pour trouver l’effet qu’il voulait.

« Aussi bien fermé qu’ouvert, le retable change la physionomie de l’atelier. Notre métier est dur, l’art apporte de l’apaisement ; et quand on est apaisé, on travaille très différemment. Pour vraiment le comprendre, il faut être sur place, entendre l’atelier, le sentir. Le parfum très fin de cognac que dégagent les barriques, l’odeur de pain grillé du bois chauffé, apportent un sentiment similaire. Ce sont des choses qui se vivent. »

1. Tchouang-tseu, Chapitre XIII, La voie du Ciel (13/e/68-74).
2. Rainer Maria Rilke, « Auguste Rodin, première partie, 1902 », publié pour la première fois dans Die Kunst, 1903.

Courtesy the artist, Hennessy and Galerie Max Hetzler Berlin | London | Paris
Installation views and works: Götz Göppert
Text: Marguerite Hennebelle
Video: Filmography
© Jeremy Demester

Une histoire du mouvement et de la vie se déploie dans Stela, la dernière série de l’artiste. Neuf compositions, rejetant la distinction entre paysage et abstraction, font la synthèse de plusieurs œuvres antérieures de l’artiste. Animés de couleurs violentes, ciels, arbres, pluie et flammes se recouvrent et s’entremêlent, montant de la terre vers le ciel. Alors que notre regard se débat dans ces nuées de formes et de couleurs, nous remarquons des paires d’yeux peints, regardant droit devant eux, qui peuplent la plupart des tableaux – ils rappellent des signaux rudimentaires placés à l’arrière des camions pour inviter les conducteurs à la vigilance. Par un mouvement mimétique, ces yeux en appellent à nos propres yeux ; sentant se dégager des tableaux une présence troublante, nous trouvons en eux des interlocuteurs. Leurs titres sont des surnoms donnés dans tous les pays, de tous temps, mais leur frontalité de monolithes signale que nous rencontrons des témoins d’âges ancestraux.

— Marguerite Hennebelle for XXI, Perrotin Dubai, Février 2023

A story of movement and life also unfolds in the artist’s latest series Stela. Refusing the distinction between landscape and abstraction, the nine compositions synthesize several of the artist’s past works. Animated by vibrant colors, skies, trees, rain, and flames overlap and intermingle, rising from the earth to the sky. While our own eyes struggle through these clouds of shapes and colors, pairs of painted eyes staring straight ahead are the resting point in most of the paintings – reminiscent of the rudimentary signs placed at the rear of trucks warning drivers to be vigilant. In a mimetic process, these eyes speak to our own eyes, becoming our interlocutors amidst the uncanny presence emanating from the paintings. Their titles are nicknames that exist in every country, in all epochs – but their monolithic frontality signals that we are facing witnesses of ancestral ages.

— Marguerite Hennebelle pour XXI, Perrotin Dubai, Février 2023

Altarpiece series

2018 — ongoing

Depuis 2018, Jeremy Demester crée des retables monumentaux pour des lieux exceptionnels, comme la Fondation pour l’art contemporain de Weidingen ou l’atelier de tonnellerie de la Maison Hennessy à Cognac. Ces retables reprennent la structure mobile des polyptyques de la fin du Moyen Âge, qui matérialisaient le rythme cyclique des fêtes liturgiques par leurs ouvertures et leurs fermetures. Installés derrière l’autel des églises, ces retables étaient fermés la plus grande partie de l’année et donnaient à voir, chaque jour, une scène simple et austère en lien avec les cultes locaux. Mais quand arrivaient les quelques fêtes importantes de l’année liturgique, l’habitant du village voisin ou le pèlerin qui venait de traverser de sombres forêts, tous deux peu coutumiers du luxe, se voyaient révéler la composition vivement colorée et parée d’or du retable grand ouvert, déployée largement sur les trois volets. Ces œuvres toujours uniques mettaient en scène avec puissance le dévoilement du surnaturel dans le cycle du temps.

Nourri par cette histoire séculaire de l’art, Demester utilise les panneaux mobiles de ses retables pour combiner plusieurs séries et les mettre en mouvement. Chaque retable est une expérimentation combinatoire unique, associant des cadres ou des prédelles de bronze ou de bois, travaillés dans des ateliers qui pratiquent des techniques traditionnelles, avec les surfaces miroitantes des Vins d’Anjou, série la plus radicalement moderniste et minimaliste de l’artiste. De ces portails gigantesques et sévères, réconciliant les matériaux bruts et industriels, surgissent les mondes éclatants des panneaux intérieurs, où des paysages irréels, jetés en couleurs pures, traversent toute la largeur de l’œuvre. Les retables sont ainsi l’occasion de synthèses méditatives de l’artiste sur sa pratique picturale – mais, plus encore, ils sont des efforts de condensation de l’énergie insaisissable qui anime la matière.

Jeremy Demester describes the Times of Grace series as pure experimentation with pictorial matter. The forms we can recognise in the paintings are merely starting points for exploring the virtually inexhaustible variations of colour. Positioning himself in this way on the borderline between figuration and abstraction, the artist finds a liberating position that allows him to propose new paths in the history of painting. In his paintings, which vary in style, Demester uses forms that are naturally subject to fluctuation, capable of deformation and multiplication, and capable of generating themselves. Leaves, drops, tears and flames are thrown onto the canvas in colours that the artist calls, in the intimacy of his studio, “archangel blue”, “orange African rain” or “anguish black”. This approach brings to mind Paul Gauguin’s advice to his Pont-Aven disciple Émile Schuffenecker: “Art is an abstraction - draw it from nature by dreaming in front of it, and think more about the creation than the result”. Heir to post-impressionism, Demester’s canvases nevertheless seem to emerge from inner states that are more restless and agitated than those of his predecessors. Layers of powerful colours and expressive brushstrokes depict on canvas the artist’s struggle with his subject - which seems to lose itself and reveal itself in turn, as the brush vibrates. The forms are carried away by a tyrannical breath, finding their stability, miraculously, in a subtle chromatic balance or in the repetition of a stroke. And this fragile harmony that stands up to chaos is repeated like so many “moments of grace” in the work of the painter, who tirelessly gets back to work, confronting each new composition.

Jeremy Demester décrit la série Times of Grace comme une pure expérimentation sur la matière picturale. Les formes que nous pouvons y reconnaitre ne sont que des points de départ pour explorer les variations virtuellement inépuisables du colorisme. Se plaçant de la sorte à la frontière entre la figuration et l’abstraction, l’artiste trouve une position libératrice, qui lui permet de proposer de nouveaux chemins dans l’histoire de la peinture. Dans ces tableaux de factures variées, Demester compose à partir de formes naturellement soumises à la fluctuation, propices aux déformations et aux multiplications, capables de s’auto-engendrer. Feuilles, gouttes, larmes ou flammes sont jetées sur le tableau dans des couleurs que l’artiste nomme, dans l’intimité de son atelier, « bleu archange », « orange pluie d’Afrique » ou encore « noir d’angoisse ». Observant cette démarche, l’on pense aux recommandations de Paul Gauguin à son disciple de Pont-Aven Émile Schuffenecker : « l’art est une abstraction – tirez-la de la nature en rêvant devant et pensez plus à la création qu’au résultat. » Héritières du post-impressionnisme, les toiles de Demester semblent néanmoins naître d’états intérieurs plus inquiets et agités que celles de ses prédécesseurs. Des strates de couleurs puissantes et de touches expressives décrivent sur la toile la lutte de l’artiste avec son sujet – lequel semble se perdre et se révéler tour à tour, au gré de la vibration du pinceau. Les formes sont emportées par un souffle tyrannique, trouvant leur stabilité, miraculeusement, dans un subtil équilibre chromatique ou dans la répétition d’une touche. Et cette fragile harmonie qui tient tête au chaos se répète comme autant de « moments de grâce » dans le travail du peintre, qui se remet à la tâche inlassablement, affrontant chaque nouvelle composition.

Texts: Marguerite Hennebelle
© Jeremy Demester

In parallel with his research into nature and the elements, Jeremy Demester is developing a reflection on the physico-chemical properties of matter and colour. The Vins d’Anjou series is painted on aluminium panels and appears, at first glance, to be perfectly monochrome. However, the viewer standing in front of a Vin d’Anjou struggles to define the colour of these monochromes, so rich and changing are the nuances, perpetually renewed by the light: the silver surface, worked with industrial paints, contains every hue from blue to pink, from white to gold. At first surreal, immobile and cold, the works and their colourful metamorphoses become seductive and fascinating, their strange materiality akin to the Abstracts Paintings of Ad Reinhardt or the minimalist volumes of Donald Judd. This material and symbolic tension is due to the subject of the series, whose title is borrowed from alchemical vocabulary: ‘Anjou wine’ is the most fluid and vital substance in the biological world. When it is still in our veins, blood is charged with multiple nuances. In fact, it’s impossible to imagine the colour of blood when it’s inside us. It is only when it comes into contact with air, through oxidation, that it takes on its bright red colour. Faced with this secret hidden in the material, Demester’s paintings are like so many murky mirrors, their surface offering an infinite range of potential colours. Vins d’Anjou series stand on the borderline between figuration and abstraction, thanks to the way their colour is embedded in the material. The painter expresses what is at the heart of our own bodies, yet escapes human perception. What can painting do in the face of what nature cannot represent?

Parallèlement à ses recherches sur la nature et les éléments, Jeremy Demester développe une réflexion sur les propriétés physico-chimique de la matière et des couleurs. La série des Vins d’Anjou est peinte sur des panneaux d’aluminium et semble, au premier regard, parfaitement monochrome. Pourtant, le spectateur qui évolue devant un Vin d’Anjou peine à définir la couleur de ces monochromes, tant les nuances y sont riches, changeantes, perpétuellement renouvelées par la lumière : la surface argentée, travaillée à l’aide de peintures industrielles, contient toutes les teintes du bleu au rose, du blanc à l’or. D’abord surréelles, immobiles et froides, les œuvres et leurs métamorphoses colorées se font séductrices, fascinantes, leur étrange matérialité rejoignant les Abstracts Paintings d’Ad Reinhardt ou les volumes minimalistes de Donald Judd. Cette tension matérielle et symbolique est due au sujet de la série, dont le titre est emprunté au vocabulaire alchimique : le « vin d’Anjou » est la substance la plus fluide et vitale du monde biologique. Lorsqu’il est encore dans nos veines, le sang est chargé de multiples nuances. D’ailleurs, il est impossible de se figurer la couleur du sang lorsqu’il est en nous. Ce n’est qu’au contact de l’air, par un effet d’oxydation, qu’il prend sa couleur rouge vif. Face à ce secret caché dans la matière, les tableaux de Demester s’offrent comme autant de miroirs troubles, leur surface proposant une infinité de coloris potentiels. Les Vins d’Anjou se placent à la frontière entre la figuration et l’abstraction, grâce à l’inscription de leur couleur dans la matière. Le peintre y exprime ce qui, étant au cœur de nos propres corps, échappe pourtant à la perception humaine. Que peut la peinture face à ce que la nature a d’irreprésentable ?

Texts: Marguerite Hennebelle
© Jeremy Demester